Wir sind eine 11-köpfige Künstlerinnengruppe*, die sich 2019 in Berlin gegründet hat und sind alle Meisterschülerinnen der Akademie für Malerei Berlin, in vier verschiedenen Ländern geboren (Deutschland, Österreich, Ukraine, USA) und leben und arbeiten in Berlin, Brandenburg, Cottbus, Dresden und Österreich. Vier von uns werden regelmäßig von Galerien vertreten. Mit drei gut besuchten Ausstellungen (Unterirdisch- Überirdisch im Kunstbunker Artist Homes in Berlin,
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Pedra Guiness beschäftigt sich mit Vegetation und Landschaft im weitesten Sinne, mit der inneren und äußeren. Sie arbeitet mit gefundenen Holzplatten und -objekten. Die Bildträger bringen mit ihren Gebrauchsspuren, Schraublöchern und Schrunden eine Geschichte mit, welche die Künstlerin bewahrt und als Ausgangspunkt er eigenen umsichtigen Bearbeitung nimmt. Filigrane Kohlezeichnungen werden mit Beize ergänzt, die Oberflächen mit starkem Gerät bearbeitet durch Schleifen und Ritzen. Danach werden diese in vielen transparenten Acryllasuren zu einer Art Gedankendunst verwoben, um sodann wieder aufgebrochen zu werden. In diesem Prozess wachsen in der eigenen Bildsprache mehrschichtige und vieldeutige moderne Landschaften und Skulpturen, die den Betrachter und die Betrachterin auf eine Reise nehmen wollen.
Claudia Hohrein interessieren in erster Linie Oberflächenstrukturen anorganischer meist metallischer Objekte, deren Spannung durch den Kontrast zwischen völlig homogenen, emotionslos und nüchtern wirkenden glatten Farbflächen und der Darstellung verwitterter brüchiger Oberflächen noch erhöht wird. Das Hauptanliegen besteht darin, eine Momentaufnahme im Zerfallsprozess darzustellen. Alle Bilder zeigen eine stark abstrahierte Inszenierung technischer Bauteile in Abschnitten oder großen Ausschnitten. Der bildgebende Gegenstand ist nie ganz dargestellt, Teilbereiche sind herangezoomt. So entsteht eine abstrakte Bildkomposition, die „lost objects“ wie z.B. verlassene Werkhallen, vernetzt oder als Skulpturenensembles im Irgendwo verortet sind. Immer mit Blick auf das Hauptthema, Oberflächen und Vernetzungen in jeglicher Form malerisch darzustellen.
Anett Münnich beschäftigt sich in ihren Arbeiten mit Naturgesetzen und dem Verhältnis von Mensch und Natur. Obwohl Menschen als Abbild in ihren Arbeiten nicht vorkommen, spielt es jedoch eine Rolle, welche Spuren sie in der Natur hinterlassen. Bei ihren Motiven greift die Künstlerin stets auf Erinnertes zurück. Nie ist ein Motiv direkt an einen realen Ort gebunden. Vielmehr ist es die Summe von Erfahrungen, Beobachtungen, Erinnerungen und Emotionen, aus denen die Künstlerin ihre Motive entwickelt. In der Umsetzung variiert und kombiniert Anett Münnich ganz verschiedene Techniken, arbeitet auf Leinwand, Papier oder auch Glas und überlässt damit dem schöpferischen Prozess einen möglichst unbegrenzten Freiraum.
Ulrike Schmelter nähert sich – von der Romantik inspiriert – dem Spiel der Elemente; Wasser- und Wolkenlandschaften stehen im Zentrum ihres künstlerischen Schaffens. Ihre Bilder bestechen durch ihre „eigene Perspektive“: sie nehmen den Betrachter mit ganz hoch in die Luft oder tauchen von oben tief hinein in die Farbigkeit des Meeres. Ulrike Schmelter beobachtet mit großer Hingabe die Natur, studiert Wolkenformationen und Wellenbewegungen, um sie später im Atelier malerisch auf die Leinwand umzusetzen. Ihre Werke entstehen somit nicht nach fotografischer Vorlage – nicht realistische Abbildungen, sondern das Einfangen von Stimmungen, der Faszination des Augenblicks kennzeichnen die Bildwelt der Malerin Ulrike Schmelter.
Vera Lang: Ausgehend vom Leben und dessen Wirrnissen, vom Fließenden und der Vergänglichkeit nähert sich Vera Lang malerisch den Themen, die uns alle angehen. Das Wasser in seinen sehr unterschiedlichen Erscheinungsformen dient dabei als Synonym für das Leben und den ständigen Wandel. Ihre Malgründe sind Orte, auf die sie Gedanken und Gefühle überträgt. Ihre bevorzugten Materialien sind Öl, Acryl, Graphit und Tusche. Der Einstieg ins Bild können Wasserspiegelungen sein oder Algen, Seegras, Steine etc., Ruhe und Sturm, Yin und Yang. Dies wird von ihr transformiert in abstrakte Malerei. Dabei versucht sie, entweder größere Zeiträume festzuhalten oder nur winzige Augenblicke einzufangen. Jede Arbeit ist für sie ein Experiment und sie weiß nie, wie das Ergebnis aussehen wird. Sie will nicht abbilden, sondern ergründen.
Marty Sander ist eine ‚Story-teller‘ im weitesten Sinne. Sie beschäftigt sich mit dem Thema der Flüchtigkeit der Dinge, ist fasziniert von alten Geschichten. Sprache in all ihre Facetten, von der Körpersprache bis hin zu der schriftlichen Sprache, ist ein entscheidender Aspekt in ihren Arbeiten; oft dienen alte Postkarten, Briefe oder Fotos als Rohmaterial und Inspirationsquelle um neue Geschichten zu erzählen–da vermischt sich Fiktion mit Wirklichkeit. Dabei versucht die Künstlerin aufzuzeigen, wie sich Erinnerungen und Erlebnissen verschieben und sich mit der Zeit verändern, um die Absurdität und die Fragilität des Seins zu beleuchten. Komplexe, sich überschneidende und nicht greifbare Welten werden paradoxerweise zum stabilen Kern einer inneren Realität. Sie kombiniert Zeichnungen, Scherenschnitt und Malerei, auf Holz oder Glas. In Ihren neuesten Arbeiten benutzt sie transparente Materialien, um die sich-überlappende Zeiten noch deutlicher spürbar werden zu lassen; versucht Verborgenes wortwörtlich ‚ans Licht ‚zu bringen.
Energie.Region im Informations- und Kommunikationszentrum der Universität Cottbus und Terra Marique in der Galerie CARLS ART 78 in Eckernförde, der größten Privatgalerie Schleswig-Holsteins), hatten wir als Gruppe einen sehr guten Start. Ein Arbeitsstipendium des Kunstvereins Frankfurt an der Oder (Mai/Juni 2021) hat uns als Gruppe noch mehr zusammenwachsen gelassen. Unsere Stärke ist vor allem unsere künstlerische Vielfalt.
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Inna Perkas ist eine konzeptuelle Künstlerin und arbeitet abstrakt in unterschiedlichen Richtungen (Malerei, Collage, Monotypie). Die Abstraktion ihrer Arbeiten ist immer im Leben verankert, da sie sich mit den Projektionen der Gefühle, Gedanken, Erlebnisse und Augenblicke in die Bilder, mit den Übersetzungen der Emotionen in die Kunst-Sprache beschäftigt. Formal besteht jede ihrer Arbeiten aus zehn Teilen, wovon die ersten 9 – jeder für sich eine abgerundete Arbeit darstellen und der 10. – ein Protokoll der Arbeit ist.
Ingeborg Rauss: Das zentrale Motiv in meinen Arbeiten ist das Wahrnehmen und Aufgreifen von Prinzipien und Ordnungssystemen. Dabei geht es nicht um Kritik, sondern um das Feststellen an sich. Mein künstlerischer Schwerpunkt: „der Mensch, der selbst Ordnungssystem innerhalb einer Hierarchie von Organisationsebenen ist, schafft seinerseits Ordnungssysteme“. Ich arbeite unter anderem mit Menschen, die ich ent-individualisiere, weil es mir nicht um das Individuum geht, sondern um die dahinterliegenden prägenden Strukturen, wie Naturgesetze und Kultur. Ich verbinde Menschen mit international lesbaren Piktogrammen, Symbolen und Apps unserer Zeit. Mit diesen Ausdrucksmitteln entstehen narrative Arbeiten über unsere Gesellschaft.
Ursula Kornfeld findet ihre Motive in ihrer unmittelbaren Umgebung (hier in Berlin und auf Reisen). Sie arbeitet figürlich, beginnt mit einer Pigmentlinerzeichnung und arbeitet oft mit chinesischer Tusche auf Leinwand oder bei Collagen/ Papierschnitten auf Karton weiter. Mit ihrer Kunst möchte sie das „Übersehene“ der eigenen Umgebung wahrnehmen, es bewusst machen und so dem vertrauten Umfeld eine Bühne geben. Sie interessiert sich für die Geschichte ihrer Motive und die Veränderungen, die sie im Verlauf der Zeit durchmachen.
Kaleidoscope 11:
Ich greife in meinen Arbeiten gerne Ereignisse auf, die um mich herum passieren. So lag es nahe, dass ich während dem Shutdowns im letzten Winter den abendlichen/nächtlichen Ausblick aus meiner Wohnung und aus meinem Alterier auf die jeweils mir gegenüber liegenden Hauswände in einer 7-teiligen Serie zum Thema machte. Zwei Arbeiten dieser Serie sind in der Ausstellung Kaleidoscope 11 zu sehen.
Bereits während des Shutdowns des Flughafen Tegel habe ich 2020 mit dem Papierschnitt begonnen und ihn 2021 mit den beiden Vögeln in der oberen Ecke rechts, die sich um dieses Geschehen nicht kümmern, beendet. Die Arbeit „Ohne Titel“ weist auf den letzten etwas unbeschwerteren Sommer 2021 hin, der jedoch noch bestimmt war von zahlreichen Vorsichtsmaßnahmen.
Marlies Ziemke geht es bei ihrer Malerei in erster Linie um Menschen, deren emotionaler Ausdruck sie berührt. Sie interessieren Gesichter und Gefühle und nicht das klassische Porträt, das meist auf Ähnlichkeit und Wiedererkennbarkeit setzt. Eine Bildserie von ihr heißt deswegen auch „Das Innere Gesicht“, weil sie hier versucht, in einer Mischung aus abstrakter Malstruktur und abbildender Darstellung, eine innere Wahrnehmung von Menschen zu erreichen. Bei „Der Brief“ können so z.B. die Gedanken der Briefleserin, die emotionale Situation des Lesens oder unsere eigene Geschichte dazu ihren malerischen Ausdruck in ihrem Bild finden. Seit Jahren beschäftigt sie sich mit der Malerei von (meist weiblichen) Gesichtern, Körpern und Haltungen. Dabei wurde ihr bald immer wichtiger, wie sie auch das Vage, das Assoziative, die Geschichte „hinter dem Gesicht“ wiedergeben und beim Betrachter hervorrufen kann. Zusätzlich zu ihrer darstellenden Malerei ist ihr die abstrakte Malweise, (die nicht-darstellend durch Farbkontraste, Art des Farbauftrags und durch Farbtiefe wirkt), bei dieser Art von Menschendarstellung das ideale Mittel.
Kaleidoscope 11: Ein Kaleidoskop spiegelt und vervielfältigt winzige Schnipsel und Bruchstücke unterschiedlicher Art auf immer neue fantasievolle Weise. Ganz ähnlich ergeben die Arbeiten unserer 11 Künstlerinnen ein stetig wechselndes Bild, eine Momentaufnahme im Schaffensprozess unserer Gruppe.
Meine Arbeit IMPROMPTU gehört zu einer Serie mit dem Titel „Begegnungen“, die zu Corona-Zeiten in 2020/21 entstanden, ist und in der ich den Fokus auf unterschiedliche alltägliche Begegnungen gelegt habe. Bei IMPROMPTU sieht man eine junge Frau, die den „Bildraum“ nach Links zu verlassen scheint, eine Hand erhoben, als wolle sie mit einer Geste Gesagtem Nachdruck verleihen oder als suche sie mit ihrer Handbewegung noch nach geeigneten Worten für etwas, das sie sagen möchte. Dabei improvisiert sie, quasi aus dem Stegreif. Eher ungewöhnlich ist bei diesem Bild, dass man nur sie sieht, nicht aber ihren Gesprächspartner/ihre Gesprächspartnerin. Möglicherweise ist sie aber auch in diesem Moment allein und führt ein imaginäres Gespräch.
Kreuzbergstr 72
10965 Berlin
Mo-Fr: 16:00 – 20:00
Sa: 14:00 – 18:00
zweipluseins